Thames & Hudson

  • Incarné notamment par picasso et braque, le cubisme qui s'épanouit en france entre 1907 et 1914 est l'un des mouvements artistiques déterminants du xxe siècle.
    Il a non seulement bouleversé la peinture, la sculpture et la photographie, mais aussi marqué de son empreinte l'architecture et tous les autres champs de création, du mobilier à la mode en passant par les objets du quotidien. le présent ouvrage retrace l'influence du cubisme sur la culture de son époque et sur celle qui suivra, mais démontre également à quel point il fut lui-même conditionné par les profonds changements esthétiques, philosophiques, politiques et sociétaux que connaissait la france au début du xxe siècle : le bergsonisme, les nouvelles avancées scientifiques ou encore la montée du nationalisme et du féminisme.
    Abondamment documenté et s'appuyant sur les toutes dernières connaissances et analyses sur le sujet, cet ouvrage resitue le cubisme dans une perspective plus large que celle de la seule sphère esthétique, révélant ainsi son importance majeure dans l'histoire.

  • Lorsque, au milieu des années 1990, l'utilisation d'internet en tant que réseau mondial de communication de masse se généralisa, les artistes perçurent immédiatement son immense potentiel d'innovation créative.
    Cet ouvrage présente la grande diversité des formes que peut prendre l'art internet et examine les outils utilisés pour sa création tout en s'attachant à décrire le contexte culturel et l'importance historique des oeuvres. e-mail art, software art, sites web et autres projets qui brouillent les frontières entre l'art et des domaines tels que le design, le développement produits, l'activisme politique et la communication sont tour à tour analysés par l'auteur.
    L'art internet est l'un des tout premiers ouvrages à décrire comment les artistes ont utilisé les technologies en ligne pour créer des oeuvres d'un genre nouveau, capables de dialoguer à la fois avec l'histoire de l'art et des disciplines habituellement considérées comme extérieures à la sphère artistique. tout au long de cette étude abondamment illustrée, l'auteur cite les propos d'artistes, de conservateurs et de critiques qui tous nous offrent une perspective nouvelle et riche sur le sujet.
    Un glossaire et une chronologie aident le lecteur à identifier rapidement les oeuvres, événements et développements technologiques majeurs grâce auxquels l'art est véritablement entré dans le xxie siècle.

  • Après les ouvrages consacrés à la sculpture grecque des périodes archaïque et classique, john boardman s'attache dans le présent volume à l'étude du second classicisme, période allant du ive siècle avant j.
    -c. au règne d'alexandre le grand. l'auteur examine les innovations propres à cette époque, notamment le nu féminin et le portrait, décrit avec minutie de nombreux monuments majeurs, dont le célèbre mausolée d'halicarnasse, et analyse les oeuvres de très grands artistes comme praxitèle ou lysippe, dont l'influence sur les générations suivantes fut immense. ce volume présente également la sculpture grecque des colonies d'italie et de sicile et les oeuvres destinées aux souverains non grecs d'orient.
    Enfin, le dernier chapitre insiste sur le rôle essentiel de la sculpture grecque dans le développement du goût occidental jusqu'à nos jours.

  • Si les histoires de l'art du xxe siècle tendent pour la plupart à minimiser la présence aussi persistante que puissante de la peinture réaliste, le présent ouvrage première étude critique détaillée jamais publiée sur le sujet - montre à quel point le réalisme a marqué la peinture du xxe siècle.
    La signification du mot réalisme est multiple, notamment parce qu'il reflète l'extrême diversité des pratiques artistiques de ce siècle. l'étude de brendan prendeville permet au lecteur d'identifier ainsi les caractères propres au réalisme dans des contextes historiques, politiques et artistiques pourtant très divers. il analyse les principales catégories de peintures auxquelles le terme fut appliqué - réalisme social et hyperréalisme en particulier -, tout en gardant à l'esprit qu'une classification trop tranchée risquerait d'amener à sous-estimer l'empreinte plus profonde que le réalisme a laissé dans la peinture du xxe siècle.
    De eakins, bellows et hopper à vuillard, bonnard, balthus et morandi, de schiele à lucian freud en passant par david hockney, l'auteur dresse un panorama lumineux de la peinture au xxe siècle et montre comment l'influence du modernisme, tout comme les conflits politiques et l'émergence des nouveaux médias, ont pu modifier et renouveler la tradition occidentale du réalisme pictural.

  • « Les nouvelles technologies, la vidéo, le numérique attestent de la profonde mutation dans l'art contemporain de la fin des années 80. Cet ouvrage est un excellent cours de rattrapage pour amateur distrait ou débordé. » Art Press « Ce livre commente de manière très claire l'avènement de l'image numérique. » L'oeil « Ouvrage extrêmement documenté, richement illustré, avec un texte pédagogique ni scolaire ni abscons. Une vraie réussite. » Max « Première étude consacrée à ce nouveau champ artistique, cet ouvrage s'organise autour de quatre grands domaines médiatiques : l'art vidéo, les installations vidéo, les performances et l'art numérique. » Artension

  • Qu'il s'agisse de l'art minimaliste, conceptuel, de l'arte povera, de l'influence de joseph beuys, du néo-expressionnisme, du néo-conceptualisme ou du post-modernisme, aucun courant récent n'est absent du panorama de l'histoire de l'art de la seconde moitié du xxe siècle que dresse edward lucie-smith.
    Aux mouvements connus, il ajoute des oeuvres importantes et singulières, jusque-là considérées comme " périphériques " : celles, entre autres, des artistes afro-américains, ainsi que des mouvements régionaux aux etats-unis. de même sont présentées et analysées les nouvelles tendances de l'art latino-américain, russe, japonais, chinois, coréen, africain, caraïbe et aborigène. une bibliographie exhaustive ainsi qu'une chronologie raisonnée des mouvements clés de 1940 à nos jours achèvent de faire de ce livre le guide complet des questions, concepts et protagonistes de l'art de ces cinquante dernières années.

  • Catalogue de la dernière exposition de Mark Ryden à la Galerie Michael Kohn de Los Angeles, The Tree Show est une exploration de l'arbre en tant que mythe.

  • Une histoire du design graphique de 1700 à 1914, avant que les infographistes ne remplacent les artisans : on y découvre l'influence de l'industrialisation, les débuts de la publicité et du design, la globalisation, mais aussi toutes les formes et thèmes d'hier qui inspirent encore les créateurs d'aujourd'hui grâce à de nombreuses illustrations.

  • Anglais The naked nude

    Frances Borzello

    De la sculpture et la peinture à l'installation, la performance et la photographie, the Naked Nude explore la représentation du nu dans l'art depuis cinq siècles : des corps magnifiés par Bronzino et Giorgione, au réalisme de Ron Mueck, en passant par les violences du body art ou les corps difformes de Sarah Lucas et des frères Chapman.

  • Les technologies numériques ont révolutionné la production et la réception de l'art.
    Non seulement les moyens d'expression traditionnels que sont la gravure, la peinture, la sculpture ou la photographie ont été profondément transformés par l'avènement du numérique mais d'autres formes radicalement nouvelles ont également vu le jour ; c'est le cas du net art, du software art, des installations numériques ou encore des manipulations de la réalité virtuelle, autant de pratiques désormais reconnues et soutenues par les plus grands musées, institutions et collectionneurs privés du monde entier.
    Dans cet ouvrage, christiane paul s'attache à décrire l'évolution de l'art numérique depuis son apparition dans les années 1980 et propose des pistes quant à son avenir. elle distingue les artistes qui utilisent le numérique comme outil pour créer des formes traditionnelles de ceux qui l'envisagent comme un médium à part entière, qu'ils manipulent pour produire des formes d'art inédites ; elle dresse, ce faisant, un panorama pertinent des oeuvres et des artistes clés du numérique.
    Les problématiques passionnantes de la collection, de la présentation et de la conservation des oeuvres numériques sont analysées, tout comme les thèmes propres à l'art numérique : l'interaction, la vie et l'intelligence artificielles, le militantisme social et politique, les réseaux et la téléprésence.

  • De watteau à david, de greuze à hogarth, de tiepolo à chardin, le xviiie siècle est l'époque de tous les contrastes et de tous les paradoxes.
    Une conception de l'homme s'y dissipe ; une autre s'y profile. " anciens idéaux, anciens régimes, anciens principes et anciennes formes d'art sont balayés - écrit michael levey - par la fumée de la bataille qui ne se dissipera qu'après waterloo. " introduction à l'étude d'une peinture qui va du frivole au cauchemar, affirme les puissances de la raison avant de constater ses limites, l'essai de michael levey dresse, d'une manière claire et précise, aussi élégante que le nécessite son sujet, le bilan d'une époque dont nous sommes directement tributaires et que ponctue, emblème brutal et flamboyant, concentrant toutes les tensions de la période, l'oeuvre de goya.

  • Le plus souvent considéré comme une forme d'art secondaire, un pâle écho de la perfection grecque - qui fut effectivement sa référence constante -, l'art romain a longtemps été l'objet d'un préjugé défavorable.
    Art "bourgeois", reflet d'une société prosaïque, il aurait manqué de cette légèreté nécessaire à l'accomplissement de tout grand art. dans son ouvrage devenu classique, sir mortimer wheeler montre pourtant quelle fut la logique profonde de cette culture, son originalité, sa réussite et combien l'art romain oscilla entre la perpétuation d'un académisme achevé, la répétition des formes parfaites, héritées de l'art hellénistique, et l'invention d'un langage nouveau, plus rudimentaire en apparence.
    S'attachant au cours de son enquête à analyser l'art du portrait comme celui de la mosaïque, de la peinture à fresque comme de la nature morte, mortimer wheeler cherche avant tout à démontrer que l'art romain s'organisa autour d'une vision totalement nouvelle de l'architecture, du décor intérieur et d'un urbanisme précurseur de celui de la ville moderne.

  • Aucun programme théorique, mais un inexplicable désir de saisir la réalité et de maîtriser la sensation, tout en en donnant l'expression la plus pure.
    Tel était le mot d'ordre de die brücke - et de la sensibilité expressionniste - selon l'un de ses adeptes, karl schmidt-rottluff. l'expressionnisme allemand, qui vint ébranler l'académisme triomphant sous le règne de guillaume ii, entre 1900 et 1914, fut une période d'intense créativité et l'un des temps forts de la modernité, au même titre que le cubisme et le surréalisme. sa définition de l'espace et, surtout, sa conception de la couleur, exercèrent une profonde influence sur l'art européen de la première moitié du siècle.
    Il reste néanmoins largement méconnu. retraçant l'histoire de ce mouvement extraordinairement fécond, wolf-dieter dube en restitue pour le lecteur contemporain toute la violence et les exigences à travers une série de courtes biographies, fondant son propos en particulier sur les témoignages d'époque et les écrits des artistes eux-mêmes.

  • Il a fallu attendre notre siècle pour que l'art baroque, et à plus forte raison le rococo, échappent enfin à la caricature et aux jugements négatifs dont on les avait accablés depuis le xixe siècle.
    Ecrivains, peintres et architectes s'employèrent dans toute l'europe, à partir des années trente, à la réévaluation de cette esthétique de la grâce et de l'excès. des recherches nouvelles, d'innombrables livres et articles conduisirent à la redécouverte d'artistes et de mouvements jusque-là ignorés ou méprisés. de borromini à balthasar neumann, du baroque sud-américain à celui de l'europe centrale, de l'art exquis de lajoue à celui de cuvilliés, on ne compte plus les révélations qui accompagnèrent cette nouvelle appréciation d'une période à la sophistication extrême.
    Germain bazin s'attache ici à restituer le développement de cette sensibilité dans toute l'europe, à en retracer les origines depuis la contre réforme et à en suivre les prolongements jusque dans le néoclassicisme, le goût de l'exotisme et l'art nouveau.

  • L'art de la haute renaissance, dont les principes furent formulés par léonard de vinci dans les années 1490, parvint à son plein épanouissement avec bramante, raphaël et michel-ange à rome, michel-ange encore à florence, et giorgione et titien à venise.
    Après la disparition de ces grands maîtres, aux alentours de 1520 les artistes orphelins éprouvèrent des difficultés à donner une direction à leur travail. les historiens d'art ont appelé cette période le maniérisme, un terme hélas entaché de connotations qui ont nui à l'appréciation de peintres comme le parmesan, le pontormo ou bronzino. loin d'être un art crépusculaire, le maniérisme est une école à part entière, à la fois portée vers l'avenir baroque et le passé gothique, fondée avant tout sur la primauté du dessin (privilégié par rapport à la couleur) et de la "manière", du style.
    Linda murray analyse ici les réalisations artistiques du xvie siècle, en italie, le grand foyer de l'époque, et ailleurs en europe, oú le maniérisme acquit une individualité très forte.

  • Anglais Aboriginal art

    Caruana

    Dans la collection World of Art, cette troisième édition mise à jour constitue une excellente introduction à l'art aborigène australien.

  • De novembre 2003 à juillet 2004, le critique d'art Martin Gayford se rend deux fois par semaine, en fin de journée, dans l'atelier de Freud - l'immense artiste britannique décédé en juillet 2011 à l'âge de 88 ans. Au fur et à mesure qu'émerge sur la toile son portrait - L'Homme à l'écharpe bleue -, nous découvrons la relation intense qui s'établit entre le peintre et son modèle, une relation qui fait partie intégrante de la manière de travailler de Freud.
    Grâce aux nombreuses et longues conversations rapportées par l'auteur, que celles-ci aient lieu dans l'atelier ou plus tard au restaurant où l'artiste aime à continuer d'observer son modèle, nous pénétrons dans l'univers intime de Freud qui livre quantité d'observations passionnantes sur l'histoire de l'art ou d'anecdotes souvent savoureuses sur sa vie. Ainsi, tandis que par petites touches successives Gayford nous raconte son expérience de modèle et nous fait comprendre de l'intérieur ce qu'est un portrait - une oeuvre d'art qui naît de la rencontre de deux individus -, un autre portrait se construit, fait de mots : celui de l'artiste au travail.
    Le livre est illustré de nombreuses oeuvres exécutées par Lucian Freud depuis les années 1940 jusqu'aux années 2000. Fourmillant d'observations d'une grande finesse et de confidences inattendues, L'Homme à l'écharpe bleue restera comme l'un des ouvrages les plus originaux et les plus captivants sur l'art pictural de notre époque.

  • Réquisitoire pour une éthique curatoriale, cet ouvrage est un manifeste traduisant l'urgence d'ouvrir le monde de l'art contemporain aux artistes autres qu'Européens, Américains, hétérosexuels, privilégiés et masculins. Divisant son analyse par thème (sexualité, féminisme et racisme), l'auteure détaille des projets alternatifs qui contournent les modèles d'exclusion ancrés dans les habitudes curatoriales à l'image de l'exposition Carambolage au Grand Palais en 2016.

  • Anglais Le gun 5 /anglais

    Le Gun

    Nouvel opus de ce magazine indépendant d'illustration narrative publié par un collectif britannique composé des artistes Neal Fox, Robert Rubbish, Stephanie Von Reiswitz, Chris Bianchi et Bill Bragg.

empty