Taschen

  • Warhol

    Klaus Honnef

    Andy Warhol (1928-1987) apparaît aujourd'hui comme le représentant le plus important du Pop Art. Observateur critique et créatif de la société américaine, il a exploré des thèmes clés comme le consumérisme, le matérialisme, les médias et la célébrité.

    Puisant dans la publicité de son temps, les comics, les produits de consommation courante et les visages les plus célèbres de Hollywood, Warhol a proposé une réévaluation radicale de ce qui constituait le sujet artistique. Une fois passées entre les mains de Warhol, une boîte de soupe en conserve et une bouteille de Coca sont devenues aussi signes du statut d'oeuvre que n'importe quelle nature morte traditionnelle. Dans le même temps, Warhol a redéfini le rôle de l'artiste. Célèbre pour avoir déclaré: « Je veux être une machine », il effaçait systématiquement sa propre présence en tant qu'auteur de l'oeuvre, notamment en recourant à des procédés de fabrication de masse et à la répétition des images, ainsi qu'à des cohortes d'assistants avec lesquels il travaillait dans un immense atelier baptisé The Factory.

    Ce livre présente l'oeuvre aux multiples facettes du prolifique Warhol qui révolutionna les distinctions entre art « d'en haut » et « d'en bas » en explorant les notions de vie, de production et de consommation, qui demeurent centrales dans notre expérience de la modernité.

  • Autant fondée sur ses prises de position politiques et son activité sur les réseaux sociaux que sur ses interventions dans l'espace public, son approche contemporaine du « ready-made » et sa familiarité avec l'artisanat traditionnel chinois, la renommée d'Ai Weiwei dépasse largement le monde de l'art. Cette monographie explore toutes les étapes de sa carrière jusqu'à sa libération des geôles chinoises.

  • L'art de l'Égypte ancienne dont nous avons hérité n'est jamais signé; pourtant nous accordons la même valeur aux créations de ces maîtres anonymes qu'aux oeuvres réalisées des siècles plus tard, comme les statues de Michel-Ange ou les toiles de Léonard de Vinci. Cet ouvrage présente certains chefs-d'oeuvres les plus importants créés entre l'Ancien Empire, au troisième millénaire avant J.-C., et la Basse Époque, au IXe siècle avant J.-C.
    Les oeuvres comptent des sculptures, des bas-reliefs, des sarcophages, des fresques, des masques et des éléments décoratifs, dont certains figurent en bonne place au patrimoine mondial de l'humanité. Si la plupart est désormais conservée au Musée égyptien du Caire, d'autres sont exposées dans des musées prestigieux comme le Louvre à Paris, le British Museum à Londres, le Musée égyptien de Berlin et le Metropolitan Museum à New York.
    Parmi les oeuvres présentées :
    - la statue assise du roi Djéser.
    - le panneau de bois du mastaba d'Hésiré.
    - une statue de scribe réalisée avec des matériaux divers.
    - le bas-relief funéraire d'Ashayet.
    - la statue de Sésostris III en sphinx.
    - la statue dérobée de Cherihotep.
    - le bas-reliefs du temple de Carnac.
    - le sarcophage de la reine Hatshepsout.
    - les fresques de Thèbes.
    - la statue de la déesse Sekhmet assise.
    - la statue de la reine Tiyi.
    - la tête d'Akhénaton (Aménophis IV).
    - la reine Nefertiti.
    - le masque en or de Toutankhamon.
    - le Ramsès II d'Abou Simbel.
    - Horus le dieu faucon en granite.
    - le bas-relief en pierre du temple d'Horus à Edfou.

  • Analyse des symboles et de l'imagerie symbolique.
    Le livre des images associe des articles originaux et pointus sur des symboles spécifiques à des illustrations représentatives en provenance de toute la planète et de toutes les époques.
    Ces textes passionnants, illustrés par près de 800 superbes images en couleurs, offrent ainsi une vision diverse et plurielle aux multiples niveaux d'interprétation. Chacun des 350 articles se penche sur le contexte particulier et les origines d'un symbole spécifique, analysant comment celui-ci représente les processus et les dynamiques psychiques qui le sous-tendent. Racines étymologiques, jeux sur les contraires, paradoxes et ombres, la manière dont différentes cultures ont abordé l'imagerie symbolique - tous ces facteurs sont pris en considération.
    Rédigés par des auteurs spécialistes de la psychologie, de la religion, de l'art, de la littérature et de la mythologie comparée, ces articles se répondent les uns aux autres d'une façon rappelant les méandres de la psyché. Les définitions offertes ici ne sont pas de celles qui enlèvent aux symboles leur magie et leur signification ; un symbole qui conserve son importance doit en effet demeurer en partie obscur pour pouvoir attirer notre attention et acquérir de nouvelles significations au fil du temps.
    Au lieu de ne se livrer qu'à une banale opération de classification, le Livre des images met en lumière comment passer de l'appréhension visuelle d'un symbole artistique, religieux, vivant ou rêvé à une expérience aux échos personnels et psychologiques.
    Le Livre des images établit une nouvelle référence dans l'exploration approfondie des symboles et de leurs significations, et intéressera un grand nombre de lecteurs variés : artistes, designers, rêveurs et interprètes des rêves, psychothérapeutes, curieux d'épanouissement personnel, joueurs, lecteurs de bandes dessinées, chercheurs en religion et en spiritualité, écrivains, étudiants, ainsi que tous ceux qui s'intéressent au pouvoir des images archétypales.

  • Bauhaus

    Magdalena Droste

    • Taschen
    • 18 Janvier 2019

    Pendant les 14 années que dura la brève période de l'entre-deux-guerres, l'école allemande d'art et de design du Bauhaus bouleversa le visage de la modernité. Mettant en pratique ses idéaux utopiques, cette école pionnière entreprit de réunir les beaux-arts, l'artisanat et la technologie, fusion qui s'appliqua aux moyens et aux pratiques artistiques, du cinéma au théâtre, de la sculpture à la céramique.
    Cvéritable best-seller, cet ouvrage de référence a été réalisé en collaboration avec le Bauhaus-Archiv/Museum für Gestaltung de Berlin qui abrite à ce jour la plus importante collection sur l'histoire du Bauhaus. Documents, études, plus de 250 photographies inédites, croquis, plans, maquettes et prototypes retracent les oeuvres réalisées ainsi que les grands principes et les personnalités qui ont formé ce collectif d'artistes idéalistes, au fil de ces trois lieux d'implantation à Weimar, Dessau et Berlin. Des clichés pris sur le vif pendant les séances de gymnastique aux croquis réalisés par des élèves de Paul Klee, des immenses plans architecturaux au cendrier si élégant de Marianne Brandt, la collection vibre des couleurs, des matières et des formes géométriques caractéristiques de l'oeuvre d'art «totale», concept au coeur de la vision du Bauhaus.
    À l'heure du centenaire du Bauhaus, cet ouvrage de référence résume parfaitement l'énergie et la rigueur du Bauhaus, qui ne fut pas qu'un mouvement précurseur du modernisme mais posa aussi les bases de la formation artistique, selon lesquelles l'expression créative et les idées novatrices conduiraient à des oeuvres autant fonctionnelle qu'esthétiques. Cette édition plus maniable aborde notamment le travail d'artistes tels que Josef Albers, Marianne Brandt, Walter Gropius, Gertrud Grunow, Paul Klee, Ludwig Mies van der Rohe, Lilly Reich et bien d'autres.

  • Claude Monet - le plus représentatif et le plus singulier des impressionnistes.

    "Voici l'ouvrage incontournable sur Monet: tout ce qui a été publié avant ou après paraîtra par comparaison bien moins important [.] C'est la seule publication facilement accessible qui propose une vision complète de l'oeuvre de Monet - autant dire qu'elle fait autorité." - The Good Book Guide, Londres À part Turner, aucun artiste n'a comme Claude Monet (1840-1926) autant travaillé à capturer la lumière sur la toile. De tous les impressionnistes, celui dont Cézanne disait qu'il n'était « qu'un oeil, mais bon Dieu, quel oeil ! », est le seul à ne jamais s'être écarté du principe de fidélité absolue à la sensation visuelle, peignant au plus près de ce qu'il voyait.

    On a dit que Monet avait réinventé les possibilités de la couleur. Que ce soit à travers son intérêt précoce pour les estampes japonaises, le temps qu'il passé pendant son service militaire sous la lumière éblouissante de l'Algérie ou le fait qu'il connaissait personnellement les plus grands peintres de la fin du XVIIIe siècle, il est vrai que ce que Monet a créé tout au long de sa carrière a changé pour toujours notre manière de percevoir le monde tel qu'il est et ce qui nous entoure. Il atteint le sommet de ses recherches avec la série tardive des nymphéas peinte dans son jardin de Giverny, qui, par la manière dont elle se détache quasiment de la forme, constitue véritablement l'origine de l'art abstrait.

    Cette biographie rend parfaitement justice à cet artiste absolument remarquable qui compte parmi les plus marquants et offre de nombreuses reproductions et photos d'archives pour accompagner un commentaire aussi fin qu'approfondi.

  • Selon la majorité des historiens d'art, l'aventure de l'art moderne a débuté à Paris il y a environ 150 ans. Un cercle de peintres, aujourd'hui connus sous le nom d'impressionnistes, se mit à travailler par touches rapides et libres. Ils privilégièrent les sujets de la vie quotidienne et urbaine, au lieu des pompeuses scènes héroïques, et échappèrent à la puissance des Salons en organisant leurs propres expositions indépendantes.

    Après cette première attaque contre une pratique académique dépassée, il n'était plus question de faire marche arrière. Constamment nourris par une aspiration à défier, innover et inspirer, les styles modernistes se succédèrent : symbolisme, expressionnisme, futurisme, dadaïsme, art abstrait, Nouveau Réalisme, Surréalisme, expressionnisme abstrait, Pop Art, art minimal et art conceptuel.
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    Cette incontournable synthèse retrace l'inépuisable énergie de l'art moderne en présentant, année après année, les oeuvres révolutionnaires qui ont déjoué les conventions et brisé les barrières. En introduction, des essais mettent en lumière les mouvements modernistes les plus significatifs et les plus influents. Ils sont complétés par des textes expliquant chaque oeuvre majeure et présentant son créateur.

  • Le travail du couple d'artistes Christo (né en 1935) et Jeanne-Claude (1935-2009) résiste à la moindre catégorisation. À mi-chemin entre l'art, l'aménagement urbain, l'architecture et l'ingénierie, il relève avant tout d'une esthétique unique: des interventions surréalistes et féériques sur l'environnement qui ont magnifié indifféremment monuments, parcs publics et centres du pouvoir.

    Cet ouvrage compact parcourt l'intégralité de la carrière du couple d'artistes qui sont nés exactement le même jour, se sont rencontrés à Paris, sont tombés amoureux l'un de l'autre et ont formé un binôme créatif à nul autre pareil. Richement illustré, le livre évoque les premiers projets de Christo et Jeanne-Claude dans les années 1950 et s'achève par le projet The Floating Piers qui sera installé sur le lac Iseo en Italie, en 2016. Il rend hommage à toutes les plus célèbres interventions du couple sur l'environnement, telles que The Gates à Central Park, à New York, et Wrapped Reichstag (Le Reichstag empaqueté) à Berlin, tout en comprenant des documents inédits, inconnus du grand public, comme des dessins de jeunesse et des photos de famille.

  • Pop art

    Klaus Honnef

    Culminant dans les années 1960, le Pop Art est né en rébellion contre les approches traditionnelles de l'art et de la culture avant d'évoluer vers une vaste remise en question de la société moderne, de la culture de consommation, du rôle de l'artiste et de ce qui fait une oeuvre d'art.

    En se concentrant sur les enjeux du matérialisme, de la célébrité et des médias, le Pop Art s'est inspiré de la culture de masse, de l'imagerie publicitaire aux comics, des têtes les plus connues de Hollywood aux emballages de produits de consommation, dont les boîtes de soupe Campbell's d'Andy Warhol sont le meilleur exemple. Tout en défiant l'establishment en élevant au rang d'oeuvre d'art des images aussi populaires, banales et kitsch, le Pop Art a également déployé des méthodes de production de masse, plaçant l'artiste singulier en retrait par des techniques mécanisées comme la sérigraphie.

    À travers Andy Warhol, Allen Jones, Ed Ruscha, Robert Indiana, Jasper Johns, Robert Rauschenberg et Roy Lichtenstein, entre autres, ce livre illustre toute la portée et l'influence de ce mouvement moderniste déterminant.

  • Bien qu'il n'ait duré que trois années de turbulence, le mouvement Der Blaue Reiter ou «Cavalier bleu» (1911-1914), loin d'être réduit en cendres, a exercé une influence considérable sur le développement de l'art moderne européen. Baptisé ainsi d'après une peinture de Kandinsky, Le Cavalier bleu, ce collectif informel d'artistes regroupés autour de l'émigré russe Wassily Kandinsky et du peintre allemand Franz Marc cherchait à rejeter les normes établies et à pénétrer avec fracas dans un inconnu artistique renouvelé.

    Associant leurs valeurs spirituelles et leurs craintes devant une époque d'industrialisation effrénée, les artistes du Blaue Reiter étaient réunis par un intérêt commun pour la peinture, la gravure sur bois et les estampes, ainsi que par la symbolique des couleurs et une approche spontanée de la création. Des oeuvres d'art maîtresses telles que Cheval bleu I de Franz Marc (1911), Avec l'arc noir de Kandinsky (1912) et Jeunes filles sous les arbres d'August Macke (1914) abordent des sujets variés, mais se caractérisent toutes par des perspectives distordues, des lignes grossières et une utilisation hyperbolique et expressionniste de la couleur.
    Der Blaue Reiter fut brutalement disloqué, au début de la Première Guerre mondiale, à la suite de la mort de deux de ses membres éminents et des dissensions croissantes entre les protagonistes du groupe. Cet ouvrage révèle l'influence remarquable du mouvement, en dépit de sa brièveté, et en présente les oeuvres majeures, les artistes et leurs influence postérieures.

  • Découvrez 200 estampes japonaises parmi les plus exceptionnelles réalisées entre 1680 et les années 1940. Des illustrations d'artistes comme Hokusai, Hiroshige et Utamaro sont reproduits dans une qualité exceptionnelle et offrent l'occasion précieuse d'un face à face avec ces chefs-d'oeuvre marquants, qui ont influencé l'impressionisme, l'expressionnisme, l'Art nouveau et bien d'autres courants.

  • Autoportraits

    Ernst Rebel

    Le soi comme sujet est l'une des entreprises artistiques parmi les plus fascinantes et prolifiques. Du XVesiècle à nos jours, cette anthologie rassemble certains des meilleurs exemples d'autoportraits afin d'explorer l'évolution du genre selon les époques, ainsi que notre rapport à la singularité et à la représentation de soi, qui assaille l'humanité depuis des siècles, bien avant les réseaux sociaux et les selfies.

    L'autoportrait d'un artiste est-il est un vecteur ou un reflet? Ou est-ce un sombre néant, ce « faux miroir » qui donne son titre à la peinture d'un oeil réalisée par le surréaliste René Magritte en 1928 ? Que dit-il sur la perception de la beauté, du pouvoir et du statut social à chaque époque ? D'Albrecht Durer à Egon Schiele, de Fra Filippo Lippi à Frida Kahlo, ce recueil explore dans toute sa variété la manière dont les artistes se sont pris pour sujets, la diversité des méthodes ingénieuses et des perspectives qu'ils ont utilisées et les questions fascinantes qu'elles soulèvent.

  • Aussi vivifiante que son langage visuel unique, cette monographie présente le travail de Beatriz Milhazes, la peintre brésilienne qui fusionne l'abstraction moderniste avec les couleurs et la lumière de son pays natal. Élargie à ses pièces de 2020, cette édition explore toutes les phases créatives de l'artiste et présente plus de 280 oeuvres, de ses débuts à aujourd'hui.

  • Renaissance

    Manfred Wundram

    L'art tel que nous le connaissons n'existerait pas sans la Renaissance. Largement considéré comme le phénomène le plus fertile à l'oeuvre dans l'art, l'architecture, la littérature et les sciences, ce mouvement a révolutionné la conception occidentale du réel et marqué l'émergence de la modernité au lendemain du Moyen Âge.

    La Renaissance s'est d'abord affirmée en Italie à la fin du XIVe siècle, avant de s'étendre à toute l'Europe aux siècles suivants, avec pour épicentres dynamiques Florence, les Pays-Bas et l'Allemagne. Intellectuellement, le mouvement se fonde sur l'humanisme, qui dérive de la philosophie grecque classique. À travers l'art, la science, la littérature et la politique, les partisans de la Renaissance affirment que l'homme est « la mesure de toute chose » et sont déterminés à remplacer le carcan scolastique médiéval par un renouveau de l'Antiquité.

    Sous l'influence de l'humanisme, les artistes se passionnent pour l'anatomie et la géométrie jusqu'à accomplir de nouvelles prouesses en matière de représentation figurative et à révolutionner le traitement de la perspective pour refléter l'expérience humaine du positionnement dans l'espace. Dans la peinture flamande, des artistes comme Bruegel apportent à leurs natures mortes et à leurs paysages de nouvelles techniques et une sensibilité palpable, tandis qu'en Allemagne Dürer et Cranach imprègnent la gravure d'une densité dramatique et psychologique inédites.

    De Florence à Nuremberg, de Venise à Bruges, cet ouvrage essentiel de la Petite Collection 2.0 de TASCHEN offre des connaissances fiables sur la profondeur de la transformation et l'ampleur de la Renaissance. À travers les célèbres maîtres de ce mouvement et ses adeptes moins célèbres, grâce à une étude fine de son contexte social et politique, ainsi que de ses diversions et ses évolutions au fil du temps et au gré de la géographie, cet ouvrage donne une vision complète de ce phénomène extraordinaire, ces quelques siècles de bouleversements qui ont façonné des génies et permis une grande variété régionale et une reconfiguration en bloc de la perception et de la représentation du monde.

    Parmi les artistes présentés figurent notamment: Fra Angelico, Giovanni Bellini, Jérôme Bosch, Sandro Botticelli, Pieter Bruegel, Lucas Cranach l'Ancien, Albrecht Dürer, Le Greco, Matthias Grünewald, Hans Holbein le Jeune, Fra Filippo Lippi, Masaccio, Michel-Ange, Pontormo, Raphaël, Tintoret, Titien, Paolo Uccello, Véronèse et Léonard de Vinci.

  • Qui aurait donc bien pu prévoir, au soir du 31 décembre 1899, que cent ans plus tard la peinture et la sculpture ne seraient plus des supports incontournables, mais seulement possibles. Le mot «art» a été défini et redéfini tant de fois ces 100 dernières années qu'il s'est enrichi de connotations sociales, politiques et techniques tout à fait nouvelles.

    Ce superbe ouvrage encyclopédique, très agréable à lire, couvre tout le spectre des disciplines artistiques, dont la photographie et les nouveaux médias; organisé thématiquement par chapitre, pour mettre en évidence les relations entre oeuvres et mouvements, il remplit parfaitement son objet. Que vous recherchiez le surréalisme, le Land Art, le Fluxus ou le Bauhaus, voici le guide qui vous dispense de tous les autres guides consacrés à l'art du XXe siècle.

  • Package design book 6

    Nora Dohrmann

    Un bon design de packaging s'impose au vu du nombre croissant de produits se disputant l'attention des consommateurs. Les Pentawards sont devenus une référence en matière d'emballages de qualité en récompensant des créations du monde entier. Avec plus de 500 projets de plus de 45 pays, cette sixième édition présente tous les lauréats 2019 et 2020, prouvant toute la pertinence de cette discipline.

  • Jusqu'en mai 2017, Robert Crumb était seulement considéré comme le plus grand artiste underground. Puis, la couverture qu'il a dessinée en 1969 pour Fritz the Cat s'est vendue à 717.000$, un montant record, le plus haut jamais atteint par une planche de bande dessinée, et ce qualificatif a fait long feu. Aujourd'hui, tout ce qui porte la signature de Crumb prend de plus en plus de valeur; c'est le moment idéal pour vous présenter R. Crumb. Sketchbook, Volume 3: Jan. 1975 - Dec. 1982.
    Ce volume, qui combine les tomes 5 et 6 du second coffret de R. Crumb Sketchbook, a été réalisé directement à partir des oeuvres originales appartenant à un fervent collectionneur français. Voici donc un savoureux pavé de 444 pages de Crumb, pour bien moins cher que les originaux, si rares et recherchés. Parmi les centaines de sujets croqués figurent le déménagement de Crumb dans la campagne californienne, son mariage avec Aline Kominsky, la naissance de leur fille Sophie, mais aussi de Mr. Natural et des facétieux Snoids, les strips Arcade, la grogne politique et les angoisses existentielles, des femmes immenses et puissantes et des petits hommes à lunettes, Mao Zedong, Mick Jagger et l'indignation morale, le tout protégé dans un ouvrage relié de qualité dont les illustrations ont été récemment colorées à la main par Crumb lui-même.

  • Du Livre de Kells au Décaméron de Boccace, et de la Genèse de Vienne à La Divine Comédie de Dante, ouvrir le Codices illustres, c'est ouvrir la porte d'un monde secret et précieux. Désormais dans un nouveau format, ce livre resplendissant vous permet de découvrir de près 167 des plus beaux et plus importants manuscrits médiévaux. Merveilleusement reproduites en grand format, ces références en matière de miniatures et d'enluminures du IVe siècle à 1600 ont jadis appartenu à quelques-uns des plus grands personnages de l'Histoire. Trésors de l'histoire de l'art, elles valent plusieurs millions et dormaient jusqu'à aujourd'hui dans des collections privées ou des archives bien gardées.

    Bien que ce recueil se concentre surtout sur les manuscrits européens, des exemples choisis dans les traditions mexicaine, perse et indienne viennent illustrer le raffinement et la complexité de l'enluminure de manuscrit dans les cultures non européennes. Une présentation instructive de chaque manuscrit permet au lecteur de s'orienter d'un simple coup d'oeil, et une annexe de 36 pages regroupe les biographies des artistes, ainsi qu'une bibliographie exhaustive, un index et surtout un glossaire des termes techniques.

  • Spectacular specimens. This is Albertus Seba's unrivaled catalog of animals, insects and plants. Albertus Seba's Cabinet of Natural Curiosities is one of the 18th century's greatest natural history achievements and remains one of the most prized natural history books of all time. Though scientists of his era often collected natural specimens for research purposes, Amsterdam-based pharmacist Seba (1665-1736) was unrivaled in his passion. His amazing collection of animals. plants and insects from all around the world gained international fame during his lifetime. In 1731, after decades of collecting, Seba commissioned careful and often scenic illustrations of every specimen. With these meticulous drawings. he arranged the publication of a four-volume catalog. covering the entire collection from strange and exotic plants to snakes, frogs, crocodiles, shellfish, corals, birds. and butterflies, as well as now extinct creatures. This reproduction is taken from a rare, hand-colored original. The introduction supplies background information about the fascinating tradition of natural collections to which Seba's curiosities belonged.

  • C'est la décennie de l'audace, des toiles expressionnistes, des livres au graphisme créatif, des oeuvres d'art totales du Bauhaus, des débuts de la psychologie, des bals de travestis, des cabarets et du cinéma. Entre les tensions de deux guerres mondiales, Berlin dans les années 1920 était une capitale à l'apogée de sa nonchalance, débordant d'art, d'innovations et d'idéaux.

    Cet ouvrage plonge ses lecteurs dans l'esprit libre de la période de Weimar. À travers des oeuvres emblématiques, puisées dans la peinture, la sculpture, l'architecture, le design graphique, la photographie et le cinéma, nous sont dévoilées les innovations, les idées et les folles utopies qui caractérisent cette vitrine culturelle unique. On entre dans les bars jazz et les salles de danse, on adopte la mode à la garçonne et on découvre les « kinos » remplis de spectateurs, on suit les avancées technologiques et les progrès des modes de transport, depuis les tours de radio aux roulements des trains et tramways, en passant par les gratte-ciel vertigineux, sans oublier les chefs-d'oeuvre cinématographiques et la nouvelle indépendance conquise par les femmes qui les autorise à fumer des cigarettes, à porter les cheveux courts et à gagner leur vie par leurs propres moyens.

    Parmi les oeuvres de cette évocation culturelle vivante figurent Les Journalistes de Hannah Höch, les Mains sur la machine à écrire de Lotte Jacobi, le Portrait de la journaliste Sylvia von Harden d'Otto Dix, le projet pour l'Alexanderplatz de Peter Behrens et L'Ange bleu de Josef von Sternberg, avec Marlene Dietrich dans le rôle de Lola Lola, la chanteuse de cabaret.

    Au fil des pages et des années, on découvre à la fois la soif d'utopie et les réalités économique et politique, plus ambiguës, qui ont nourri des chefs-d'oeuvre de divertissement, idéalistes ou réactionnaires produits durant cette période. Derrière les lumières vives et les robes pailletées se cachent l'inflation, le travail à la chaîne et un consensus politique fragile que dissimulent ces années bénies et qui annoncent finalement une issue brutale amorcée par la montée du national-socialisme.

  • L'écriture fait des miracles: elle nous transporte dans les moments qui ont fait l'Histoire, la créativité et le quotidien de l'humanité, et nous relie intimement à des personnages qui ont laissé leur marque dans la conscience collective. Pendant près d'un demi-siècle, l'auteur et éditeur brésilien Pedro Corrêa do Lago a constitué l'une des collections d'autographes les plus complètes de notre époque en acquérant des milliers de lettres et autres documents manuscrits: partitions, photos et dessins dédicacés.
    Depuis un parchemin de 1153, portant la signature de quatre papes médiévaux, jusqu'à l'empreinte de pouce laissée par le physicien Stephen Hawking en 2006, les documents présentés dans ce livre couvrent près de 900 ans d'Histoire et convoquent les écrivains, artistes, compositeurs, figures de la politique ou du divertissement, explorateurs, scientifiques et philosophes qui ont marqué cette période de leur empreinte, ainsi que les rebelles qui sont entrés dans la légende par leurs actions et réactions.
    Plutôt que de se concentrer sur une époque ou de se limiter à un sujet, Corrêa do Lago a pris l'ambitieuse décision de rechercher des autographes importants dans huit domaines de l'aventure humaine: l'art, l'histoire, la littérature, la science, la musique, la philosophie, l'exploration et le divertissement. Les 140 documents extraordinaires réunis dans ce livre - présentés pour la première fois dans une grande exposition à la Morgan Library de New York - comprennent des lettres de Lucrèce Borgia, Vincent Van Gogh ou Emily Dickinson, des croquis annotés de Michel-Ange, Jean Cocteau et Charlie Chaplin, et des manuscrits de Giacomo Puccini, Jorge Luis Borges et Marcel Proust.
    L'écriture manuscrite est l'un des moyens les plus intimes permettant de laisser une trace de nos vies. À une époque où une si grande part de notre communication est immatérielle, ce recueil évoque le pouvoir de la plume dans sa façon de révéler l'énergie, la passion, la vulnérabilité et l'imagination de l'humanité à travers les âges.

  • Dans le New York des années 1950, avant qu'il devienne l'un des noms les plus célèbres du XXe siècle, Andy Warhol fut un dessinateur publicitaire talentueux et apprécié. À cette époque, dans le cadre de sa stratégie pour séduire et fidéliser ses clients et sceller des amitiés, il réalisa de sa main sept livres promotionnels envoyés à des contacts triés sur le volet, où s'exposent ses dessins uniques et ses textes excentriques, et où s'exprime son goût pour les chats, la nourriture, les mythes, les chaussures, les beaux garçons et les filles magnifiques, entre autres sujets.

    Des dizaines d'années plus tard, alors que les originaux s'échangent pour des milliers de dollars en salles des ventes, TASCHEN présente un impeccable coffret rassemblant les sept livres, reproduisant aussi fidèlement que possible les originaux de Warhol jusque dans le format, les dimensions et le papier. Avec des titres comme Love Is A Pink Cake (L'Amour est un gâteau rose), 25 Cats Named Sam (25 Chats nommés Sam) et À la Recherche du Shoe Perdu, la série révèle le caractère excentrique de l'artiste autant que ses talents de dessinateur accompli, sa créativité sans limites et son humour rempli de sous-entendus.

    Les livres jouent délicieusement avec les styles et les genres autant qu'avec la maquette, les matériaux et les formats. Le portfolio de lithographies A is for Alphabet consacre une page à chaque lettre de l'alphabet, avec des illustrations complétées par des strophes déroutantes de trois vers qui racontent des rencontres étranges entre l'homme et l'animal. In the Bottom of My Garden est à la fois la version warholienne d'un livre pour enfants et une célébration cachée de l'amour homosexuel. Quant à Wild Raspberries, il s'agit d'une parodie de livre de cuisine contenant pléthore de recettes audacieuses en 19 pages au format portrait contenant instructions et illustrations.

    Joyaux peu connus mais fort convoités de la couronne du roi Warhol, ces opus écrits et dessinés à la main sont aussi intéressants et originaux aujourd'hui qu'ils le furent dans les lointaines années 1950. Avec un essai introductif de la spécialiste de Warhol Nina Schleif ainsi que des illustrations contemporaines et des photographies de Warhol, cette reproduction méticuleuse offre un regard unique sur un génie en herbe, à l'aube de la renommée mondiale.

  • Erotica universalis

    Gilles Néret

    Recueil d'oeuvres d'art sur le thème de l'érotisme de l'Antiquité au XXe siècle.

  • Achevé vers 1474, le manuscrit de Sébastien Mamerot, aux somptueuses illustrations, est le seul document contemporain décrivant plusieurs siècles de croisades françaises, pendant lesquels les rois successifs ont tenté de s'emparer de la Terre Sainte. Jean Colombe, l'enlumineur médiéval célèbre pour son travail sur les Très Riches Heures du Duc de Berry, a réalisé la plupart des 66 merveilleuses miniatures.

    Les Passages d'Outremer, conservé à la Bibliothèque Nationale de France, se compose de 277 folios de parchemin, illustrés par Colombe et les meilleurs calligraphes médiévaux. Cette nouvelle édition cartonnée dans notre populaire format Klotz comprend une traduction intégrale du manuscrit, accompagnée de 66 miniatures colorées de Jean Colombe reproduites en respectant la moindre nuance des rehauts d'or médiévaux, accompagnées de leurs explications. Les illustrations de batailles, funérailles et processions s'animent sous nos yeux dans un tableau percutant, qui accompagne le récit prenant de cette campagne de ferveur religieuse et ce périple épique qui a duré des siècles.

    Edition complète, adaptée et commentée.

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