AGENDAPresse Universitaire de Rennes
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Nouv.
Par la force de leur génie : Quinze parcours de femmes au sein de l'Académie royale de peinture et de sculpture (1663-1793)
Perrine Vigroux
- Presse Universitaire de Rennes
- Art & Société
- 8 Mai 2025
- 9782753598966
Quinze femmes artistes furent admises au sein de l'Académie royale de peinture et de sculpture entre 1663 et 1793. Depuis la Renaissance, en Europe et en France, un petit nombre de femmes bénéficièrent d'une certaine renommée aussi bien nationale qu'internationale, dans les arts, la littérature et les sciences, ouvrant ainsi la voie à de nouveaux talents. Ces femmes étaient notamment encouragées par les thèses philosophiques de François Poulain de la Barre (1647-1723) qui leur permirent d'occuper une place de plus en plus privilégiée au sein des salons, ces petites réunions où savantes et artistes invitaient chez elles hommes et femmes pour discuter de littérature, de philosophie, d'art mais aussi de politique. Ces lieux très courus connurent un grand succès à la fin du XVIIe siècle et tout au long du XVIIIe siècle. La réception des premières femmes à l'Académie se fit dans ce climat tout à fait favorable aux femmes tant sur le plan social et culturel, que politique. Cette admission n'en resta pas moins précaire. Après l'entrée de Catherine Perrot, le 31 janvier 1682, il fallut attendre en effet près de quarante ans, soit le 26 octobre 1720, pour que soit à nouveau admise une peintre : Rosalba Carriera. Femmes de talent, femmes ambitieuses, les académiciennes réussirent à imposer une nouvelle vision de la femme peintre.
Publié avec le soutien de l'Académie des beaux-arts -
La gravure en Grande Guerre : donner corps à son expérience : France, Belgique, Grande-Bretagne
Marine Branland
- Presse Universitaire de Rennes
- Art & Société
- 20 Février 2025
- 9782753598201
Qu'a-t-on vu et montré de la Première Guerre mondiale ? Quel rôle ont joué les graveurs (amateurs et confirmés) dans la mise en images de ce conflit aux proportions impressionnantes et qui fut si marquant pour les sociétés impliquées ? Que reste-t-il aujourd'hui de la guerre dans ces images et peut-on encore les comprendre ?
Ce livre propose une plongée inédite dans la guerre grâce à l'étude d'un important corpus d'estampes dont certaines sont méconnues. Au plus près des parcours d'artistes et des discours sur l'art, dans trois États belligérants alliés pendant la guerre, il s'agit de remonter le fil du temps et des expériences, et de parcourir les territoires de la guerre sur le front ouest. Car derrière les nombreuses images anecdotiques, patriotiques, convenues, innovantes, avant-gardistes, etc., il y a des hommes et des femmes qui ont vécu la guerre et ont tenté d'en exprimer quelque chose qui soit conforme à leur vision et utile à leurs besoins. Informées par la situation personnelle des artistes et par leurs opinions, les estampes dont il est question engagent le lecteur dans l'histoire, et dans l'histoire de l'art de la guerre de manière sensible.
L'art de la gravure est au coeur de cette enquête artistique, historique et anthropologique. Son analyse permet de dépasser certains effets de polarisation : arts plastiques/photographie, synthèse plastique/peinture militaire, patriotisme/rejet de la guerre.
Avec le soutien du ministère des Armées, du Centre international de recherche de l'Historial de la Grande Guerre de Péronne et de l'université de Picardie Jules Verne ainsi que du laboratoire HAR de l'université Paris Nanterre -
Histoires du Christ en images : Évangiles latins, VIe-XIe siècle
Anne-Orange Poilpré
- Presse Universitaire de Rennes
- Art & Société
- 28 Novembre 2024
- 9782753595835
Pourquoi la représentation de la vie du Christ est-elle exclue du décor des livres d'évangiles carolingiens ? Cette absence intrigue d'autant plus que les manuscrits tardo-antiques, source d'inspiration privilégiée par les peintres du IXe siècle, contiennent des cycles détaillés. Peu avant l'an mil, un nouveau renversement s'opère et les ouvrages produits pour les grands commanditaires de l'Empire germanique des ottoniens se parent d'un décor pléthorique, comptant parfois jusqu'à une cinquantaine de scènes.
Cette alternance entre suspension et déploiement de l'image narrative interroge plus largement la valeur des médiations figurées dans les livres sacrés du christianisme pendant le haut Moyen Âge. Qu'attend-on de la visualisation de l'Incarnation, au plus près de la parole de Dieu ? Du VIe au XIe siècle, la possibilité de voir (ou non) le corps du Christ revêt une importance capitale dans l'ordonnancement spatial et matériel des évangiles latins. Cette pensée en images forme le pivot d'un discours inédit de l'Église sur ses finalités terrestres.
Avec le soutien de l'université Paris 1 Panthéon-Sorbonne et du Centre de recherche HiCSA -
Nicolas Besnier (1686-1754) : Architecte, orfèvre du roi, et échevin de la Ville de Paris
Christophe Huchet de Quénetain
- Presse Universitaire de Rennes
- Art & Société
- 11 Juillet 2024
- 9782753594753
Nicolas Besnier (1686-1754) est le fils de François Besnier, chef du gobelet du roi, et d'Henriette Delaunay. Son oncle est l'orfèvre Nicolas Delaunay et son parrain est le sculpteur Corneille Van Clève. Comme architecte, il fait le voyage en Italie de 1709 à 1712. Étudiant à l'Académie de France à Rome, il obtient le premier prix d'architecture de l'Académie de Saint-Luc en 1711. Maître orfèvre en 1714, associé à Delaunay, logé aux galeries du Louvre à partir de 1718, il est nommé orfèvre du roi en 1723. Il travaille pour la cour de France ainsi que pour une prestigieuse clientèle privée. Il devient échevin de la ville de Paris en 1729. À cette époque, il décide de collaborer avec son gendre Jacques Roëttiers de La Tour à qui il laissera la conduite de son atelier d'orfèvre. Il quitte son logement aux galeries du Louvre en 1739 et il remet son poinçon d'orfèvre en 1744.
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Le décor de la chapelle de la Sainte-Trinité au château de Fontainebleau : Historique et analyse du décor immeuble
Antonin Liatard
- Presse Universitaire de Rennes
- Art & Société
- 29 Février 2024
- 9782753592278
Rare exemple de chapelle royale ayant conservé son deécor originel, la chapelle de la Trinité au château de Fontainebleau est l'unique témoin subsistant des embellissements commandés par Henri IV pour ses résidences. Achevé sous la régence de Marie de Médicis et le règne de Louis XIII, ce décor est essentiel pour comprendre l'évolution des arts en France entre la fin du XVIe siècle et le milieu du XVIIe siècle. Comment le décor d'une chapelle royale donne-t-il à voir l'association entre pouvoir temporel et sacré au sein des monarchies d'Europe occidentale ? Quelles sont les interactions entre un décor et les usages d'un lieu qui évoluent au fil des siècles.
Pour répondre, il s'agit de proposer une histoire complète du décor de la chapelle de la Trinité. Mobilisant de nombreux documents d'archives et iconographiques inédits, cette histoire permet de suivre les multiples étapes de son aménagement et de sa restauration. Prenant en compte ses différents composants, le livre situe l'ensemble de l'entreprise décorative dans le contexte artistique français et européen au début du XVIIe siècle. Il met en lumière les acteurs encore méconnus de ce chantier, tels que Martin Fréminet, Barthélémy Tremblay, Francesco Bordoni ou encore Jean Dubois. Enfin, en proposant une nouvelle lecture iconographique du cycle peint de la chapelle et de son tableau d'autel, il permet de suivre l'évolution des sensibilités religieuses sous les règnes d'Henri IV et de Louis XIII.
Avec le soutien de la Fondation Custodia, du château de Fontainebleau et de la Société d'étude du XVIIe siècle. -
Les peintres de Lyon autour de 1500
Tania Levy
- Presse Universitaire de Rennes
- Art & Société
- 7 Décembre 2017
- 9782753559257
En 1914, Henri d'Hennezel écrivait On a vite fait de dire que Lyon est une ville inhospitalière aux artistes. [...] L'histoire [...] prouve, au contraire, qu'à toutes les époques il s'est rencontré à Lyon des artistes en tous genres et des amateurs pour les protéger et les encourager et il poursuivait en expliquant qu'à la fin du XVe siècle, se préparait à Lyon la période de la Renaissance où la ville atteignit son apogée littéraire et artistique. Cette citation souligne à la fois la richesse lyonnaise de la fin du XVe siècle et des premières décennies du XVIe siècle et la difficulté à l'appréhender. Afin de mettre en lumière cette époque, qui n'est pas qu'un prélude à une Renaissance prospère, cette étude dresse le portrait d'une communauté artistique particulière, bien implantée en ville, en relation avec de nombreux commanditaires. De la ville à la cour, des érudits aux ecclésiastiques, les peintres de Lyon ont en effet à répondre à des commandes diverses. Et les réalisations qui les mobilisent le plus sont celles en lien avec les festivités organisées dans la cité, au premier rang desquelles les entrées royales et solennelles.
Se basant sur un corpus archivistique conséquent et sur les oeuvres conservées, cet ouvrage s'attache aux protagonistes de la peinture à Lyon entre le début règne de Louis XI et la Grande Rebeyne de 1529 et explore le contexte de la pratique picturale (atelier, formation), les commanditaires et les oeuvres et enfin les fêtes, qui ont grandement sollicité les peintres. -
Le patrimoine textile des musées européens : Muséologie, stratégies et perspectives
Collectif
- Presse Universitaire de Rennes
- Art & Société
- 29 Août 2024
- 9782753597921
Quelle est la situation actuelle des musées de petite et moyenne taille en Europe, jusqu'alors peu étudiés alors qu'ils détiennent une part essentielle de notre patrimoine textile. Quels sont leurs problèmes ? Quelles sont les stratégies envisagées pour les surmonter ? Quel avenir ces musées dessinent-ils pour notre patrimoine textile ? À partir d'un focus sur l'Alsace, où ces questions se posent avec acuité, la réflexion est menée à l'échelle de l'Europe, du Royaume-Uni à la Géorgie en passant par l'Espagne et l'Allemagne.
Le tableau ainsi brossé montre une surprenante diversité dans les orientations muséographiques. L'attention porte autant sur l'innovation dans les manières de transmettre les savoirs que sur la sauvegarde du patrimoine textile, en lien avec les paradigmes de la recherche actuelle dans le domaine de la muséographie.
En s'intéressant à ces musées de petite et moyenne taille qui sont aussi des acteurs dynamiques de nos sociétés, l'ouvrage comble une lacune dans les débats muséologiques actuels. -
Des étoffes pour le vêtement et la décoration : vivre en indiennes - France (XVIIIe-XIXe siècle)
Aziza Gril-Mariotte
- Presse Universitaire de Rennes
- Art & Societe
- 5 Octobre 2023
- 9782753592445
Retracer une histoire du goût en étudiant l'usage des indiennes dans la mode et la décoration intérieure aux 18e et 19e siècles, tel est l'objectif de ce livre. Il montre comment les manufacturiers ont participé à l'essor d'une société consumériste où la question des modes et des couleurs est indissociable du développement d'une industrie textile. En appréhendant des pratiques vestimentaires et décoratives sur deux siècles, les phénomènes de recyclages, de renouvellement ainsi que de permanence de certains décors sont analysés à la lumière de la fascination que le 18e siècle exerça sur la société du 19e siècle. Dans la parure vestimentaire, l'usage des indiennes raconte la diffusion dans la société de pratiques longtemps réservées aux élites et la capacité des industriels à se renouveler pour accompagner l'essor de la consommation des étoffes, depuis les marchandes de mode jusqu'aux Grands Magasins. La question de la place des cotonnades dans la décoration intérieure offre un point de vue renouvelé sur le rôle des étoffes dans l'embellissement du cadre de vie qui perdure et se développe au 19e siècle en participant au concept des styles historiques.
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Berta Zuckerkandl : De Klimt à Rodin, une salonnière et critique d'art entre Vienne et Paris
Armelle Weirich
- Presse Universitaire de Rennes
- Art & Societe
- 30 Novembre 2023
- 9782753592391
Célèbre en Autriche pour son salon au sein duquel elle accueillait les plus grands artistes et intellectuels de son temps - Gustav Klimt, Gustav Mahler, Stefan Zweig -, Berta Zuckerkandl fut elle-même une critique d'art majeure qui a impulsé et soutenu le développement de l'art moderne au tournant des XIXe et XXe siècles.
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Dans l'oeil du connaisseur ; Pierre-Jean Mariette (1694-1774) et la construction des savoirs en histoire de l'art
Valérie Kobi
- Presse Universitaire de Rennes
- Art & Société
- 22 Juin 2017
- 9782753553149
En partant du cas singulier du collectionneur Pierre-Jean Mariette (1694-1774), cet ouvrage vise à mieux définir les étapes qui jalonnent la formation des connaissances en histoire de Part au XVIIIe siècle et, plus largement, à questionner le rôle joué par la figure du connaisseur dans cette dynamique. En somme, il s'agit de répondre aux interrogations suivantes : sur quels éléments repose la réputation de l'amateur et comment s'organise la reconnaissance de son autorité par ses pairs ? Quels sont les instruments, matériels ou intellectuels, déployés par l'expert ? Et, finalement, sous quelles formes se présente son savoir lorsqu'il se matérialise par l'écrit ?
Dans ce but, l'identité et l'activité de Mariette se trouvent ici interrogées à travers six chapitres thématiques scindés en deux parties. La première, intitulée La naissance d'un amateur, analyse l'émergence de la figure de l'amateur à travers trois moments-clés : la constitution d'une identité, le voyage d'Italie et l'insertion de l'érudit dans la République des Lettres. La seconde, dévouée aux Savoirs mis en oeuvre, examine les modalités de la divulgation scientifique, de ses modèles théoriques à ses représentations visuelles.
Plus qu'un panorama exhaustif d'une pensée savante, le développement suivi enquête sur la façon dont le livre devient, au cours du XVIIIe siècle, un véritable laboratoire des savoirs; un espace privilégié où se déroule, entre amateurs, le débat qui participe à l'élaboration d'une connaissance empirique dans le domaine de l'histoire de l'art. A cet égard, la présente étude pose non seulement un regard nouveau sur l'apport de Pierre-Jean Mariette au champ historique mais elle réfléchit aussi de manière originale aux pratiques socio-culturelles et aux enjeux esthétiques qui façonnent la discipline à l'époque des Lumières.
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Vivre la bataille ? expérience et participation dans les arts : XVe-XXIe siècle
Collectif
- Presse Universitaire de Rennes
- Art & Societe
- 23 Mars 2023
- 9782753588592
Une bataille vraie n'est pas un tableau dit Baudelaire dans ses Salons de 1859. L'art possède-t-il alors une capacité véritable à rendre compte du combat ? Par sa démesure spatiale et temporelle comme par sa violence et par son désordre, la bataille a conduit à des innovations artistiques de forme comme de technique. Elle a poussé à l'émergence de dispositifs toujours plus immersifs dépassant les limites expressives des médiums afin de faire revivre des événements insaisissables ainsi qu'une expérience hors du commun. Face aux ambitions des artistes, jusqu'où le spectateur devient-il acteur de la scène de bataille ?
La spire historiée de la colonne Trajane, les galeries de batailles et les tentures modernes, les rotondes des panoramas ou encore les larges écrans du cinéma sont autant de dispositifs visant à produire une restitution vivante des faits militaires. Modernistes et contemporanéistes, historiens de l'art et de l'audiovisuel, envisagent ici les usages, les réceptions et les émotions engendrés par les représentations de batailles. Ces représentations touchent puissamment au re-gard, à l'esprit et au corps du spectateur aux prises avec la fiction du combat. -
La métaphysique du bijou : objet d'histoires, parure du corps et matériaux de l'oeuvre d'art au XIXe siècle
Charline Coupeau
- Presse Universitaire de Rennes
- Art & Societe
- 21 Avril 2022
- 9782753581630
Convoquant plusieurs sciences humaines et s'appuyant sur de vastes sources - traités, manuels de savoir-vivre, dictionnaires spécialisés, rapports d'expositions, correspondances et chroniques journalistiques -, cet ouvrage entend définir les contours d'une ontologie du bijou afin de sonder la diversité des relations dans lesquelles il se trouve impliqué. Grâce à une conceptualisation pluridisciplinaire, il convient de montrer que le bijou est un moyen d'investigation pour comprendre la période complexe et chargée en rebondissements qu'est le XIXe siècle. En effet, médium polysémique complexe et fortement connoté, le bijou de ce siècle permet de cerner une esthétique, un rapport au monde, au temps qui passe. Il est une clé, une façon d'être au monde, un pôle de compréhension et, en somme, un véritable microcosme. Que dit-il du XIXe siècle ? S'articulant autour de trois directives : objet, corps et matière, la dialectique mise en place tente de montrer toute la richesse et la singularité de la bijouterie de cette époque en France. Les bijoux ne sont pas là par hasard, ils véhiculent des sens cachés, des codes, ils sont les référents immuables que cette étude propose de faire découvrir.
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Les nazaréens français ; théorie et pratique de la peinture religieuse au XIX siècle
Michel Caffort
- Presse Universitaire de Rennes
- Art & Société
- 3 Décembre 2009
- 9782753508910
Nazaréens? Le terme de Nazarener apparaît pour la première fois, à l'écrit, en 1816-1817.
Il désigne alors, sur le mode ironique, une colonie de jeunes peintres allemands (ou de culture germanique) installés à cette époque à lionne et aisément reconnaissables à leur aspect extérieur: à leur façon, plus particulièrement, de porter les cheveux, selon l'expression populaire italienne, alla nazarena, c'est-à-dire, à l'exemple traditionnel du Christ (mais aussi de Raphaël et de Dûrer), longs jusqu'à l'épaule et divisés au milieu par une raie.
Ce qui, plus sérieusement, nous renvoie à une réalité d'ordre organisationnel : la Confrérie de saint Luc (Lukasbund) fondée à Vienne, le 10 juillet 1809, autour du Lübeckois Johann Friedrich Overbeck (1789-1869) et du Francfortais Franz Pforr (1786-1812), transférée à Rome à l'été 1810 et par la suite (après sa dissolution de 1818) appelée à se transformer dans les années 1840 en une emblématique " école de l'art chrétien " honorant en Overbeck son " prince ".
Une école donc, ou plutôt, en toute rigueur, un mouvement rassemblant ainsi, et au-delà de leurs particularités respectives, toute une pléiade de disciples, amis et compagnons d'armes lui conférant cette dimension internationale dont on voit mal comment (et pourquoi) la France se serait tenue à l'écart. Le fait est que, comme nombre. de ses voisins européens, notre pays a aussi possédé, après 1830, de l'aveu même de Claudius Lavergne (qui fut un des leurs et non des moindres), une tribu de Nazaréens ".
André-Jacques-Victor Orsel, Alponse-Henri Périn, Adolphe Roger, Emile Signol, Jean-Louis Bézard, Eugène-Emmanuel Amaury-Duval, Claudius Lavergne, Louis-Joseph Hallez, Louis-Charles-Marie de Bodin, comte de Montalembert incarnent en effet, parmi d'autres, cette ambition des lendemains de Juillet qu'il s'agit ici de prendre au sérieux et à laquelle il convient, n'en déplaise à une certaine routine historiographique, de redonner toute son importance.
Celle d'un renouveau embrassant trois domaines, étroitement dépendants les uns des autres, mais que par souci de clarté pédagogique, nous étudierons séparément et successivement : la théorie esthétique (un art pour Dieu et pour le peuple), l'activité picturale proprement dite (les questions de style et d'iconographie) et, sur le plan spirituel, la " révolution miséricordieuse " qu'elles ont eu à coeur d'accompagner et exprimer.
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Corps de bois, souffle humain ; le théâtre de marionnettes wayang golek de Java Ouest
Sarah anaïs Andrieu
- Presse Universitaire de Rennes
- Art & Société
- 12 Juin 2014
- 9782753528550
Pratique complexe dans ses dimensions sociales et artistiques, le wayang golek est proclamé en 2003 Chef-d'oeuvre du patrimoine oral et immatériel de l'humanité par l'Unesco. Cet ouvrage décrit et discute le passage d'un patrimoine familial à un patrimoine commun, national, mondial. L'analyse anthropologique mêle ainsi l'étude des politiques culturelles au sein des jeux d'espaces de ces différentes échelles, l'examen de concepts globaux et la réalité ethnographique du wayang golek.
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Arts du Vietnam ; nouvelles approches
Caroline Herbelin, Béatrice Wisniewki
- Presse Universitaire de Rennes
- Art & Société
- 20 Juillet 2015
- 9782753540286
Cet ouvrage fait le bilan des connaissances dans le domaine des arts du Vietnam, depuis les périodes anciennes jusqu'à aujourd'hui. Il réunit des spécialistes vietnamiens, japonais, français, américains, des chercheurs, conservateurs, collectionneurs de différentes disciplines, périodes et domaines de création. Il inclut les cultures matérielles anciennes, les arts visuels et les arts plastiques contemporains.
Avec le soutien de l'Institut français, la région Ile-de-France, la ville de Paris, le conseil scientifique de l'université Paris-Sorbonne et le CREOPS (EA 2565).
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Carlo Crivelli et le matérialisme mystique du quattrocento
Thomas Golsenne
- Presse Universitaire de Rennes
- Art & Société
- 11 Mai 2017
- 9782753552531
Carlo Crivelli (v. 1435- v. 1495) est un peintre vénitien, marginal et virtuose, au style puissant, étrange et inclassable, qui a longtemps suscité l'embarras des historiens de l'art. Sa peinture déjoue en effet les oppositions traditionnelles qui structurent la grille d'appréciation des artistes de cette époque : elle est à la fois du Moyen Age et de la Renaissance, d'avant et d'arrière-garde, sacrée et profane, chrétienne et païenne. Ayant presque toujours vécu dans la Marche d'Ancône, une région loin des grands centres culturels comme Florence, Rome ou Venise, Crivelli est au courant de toutes les innovations de son temps, et va plus loin que la plupart de ses contemporains dans l'expérimentation picturale. Ce livre entend lui rendre la place qu'il mérite dans l'histoire de l'art du Quattrocento. Une place singulière à n'en pas douter, et de premier plan assurément.
Mais pour lui rendre cette justice, il ne suffit pas d'étudier son oeuvre en détail. C'est toute l'histoire de son temps qu'il faut revisiter. Il ne sera pas question, ici, de la rupture mille fois rebattue entre Moyen Age et Renaissance, entre la spiritualité chrétienne et la philosophie humaniste, l'image dévotionnelle et l'art profane. C'est un autre Quattrocento que ce livre décrit : une époque où le Moyen Age se paganise, où la spiritualité s'exprime par le luxe, le divin se manifeste de manière sensible, la peinture fait l'objet d'un culte, les saints, les artistes et les guerriers rivalisent de charisme. Le matérialisme mystique est la formule historique, culturelle et anthropologique qui décrit tous ces phénomènes et permet de comprendre comment la peinture de Carlo Crivelli est possible. -
La Renaissance réinventée : historiographie, architecture et arts décoratifs à Lyon
Philippe Dufieux
- Presse Universitaire de Rennes
- Art & Société
- 1 Juillet 2021
- 9782753580794
Malgré la fécondité de la Renaissance lyonnaise, le Lyon du XVIe siècle a été largement occulté par l'historiographie nationale à la faveur d'une construction idéalisée de la Renaissance française sur fond de centralisation politique et culturelle bercée d'italianité. À l'époque contemporaine pourtant, la redécouverte de la Renaissance entre Rhône et Saône devait fortement contribuer à la définition de l'identité même de la cité rhodanienne - jusqu'à la protection du Vieux-Lyon au début des années 1960 -, renouant avec un âge d'or mythique, synonyme de prospérité économique, de développement culturel et artistique. Le présent ouvrage se propose de revenir sur cette ambitieuse entreprise à travers la redécouverte de l'histoire de Lyon au XVIe siècle, la naissance d'une curiosité pour l'art de la Renaissance au lendemain de la Révolution et son actualisation au XIXe siècle mais aussi l'incidence de ce revival dans le domaine des arts visuels et des arts décoratifs.
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Le grand âge et ses oeuvres ultimes ; XVIe-XXIe siècle
Diane Bodart, Jean Gribenski
- Presse Universitaire de Rennes
- Art & Société
- 15 Octobre 2020
- 9782753577695
À une époque où la figure du vieil artiste ne fait désormais plus exception mais est en passe de devenir la norme, ce livre réinterroge l'archétype romantique du génie du grand âge depuis la Renaissance jusqu'au XXIe siècle, en le mettant à l'épreuve des différents médiums de la création artistique, par un dialogue entre les arts visuels, la musique, l'architecture et la littérature. La validité herméneutique de la notion de style tardif, qui participe à l'héroïsation des oeuvres ultimes conditionnées par le déclin physique et l'urgence de la fin, est analysée en fonction des données biographiques, du contexte culturel et social, de la réception contemporaine et postérieure, afin d'appréhender sous un nouveau jour l'incidence de la biographie sur l'oeuvre.
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Le paysage : entre art et nature
Collectif
- Presse Universitaire de Rennes
- Art & Société
- 26 Octobre 2017
- 9782753554924
Examiner dans le rapport à l'art et à la nature la construction du paysage, la façon dont il se façonne et dont il façonne le regardeur lorsque la pensée envisage sa composition, tel est un des objets majeurs du présent ouvrage. C'est la question du rapport à la nature, dans la pratique des peintres, mais aussi des artistes contemporains, qui est posée.
Le paysage, entre art et nature se situe dans un courant d'études sur le paysage à la jonction entre plusieurs disciplines - histoire de l'art, esthétique, philosophie - initié il y a plus de cinquante ans par Ernst Gombrich ou Georg Simmel. La nouveauté de cet ouvrage tient à la complémentarité des approches entre des recherches inédites et pointues, effectuées par des experts du domaine pictural. Le fil d'Ariane de la réflexion est le regard : celui que porte l'artiste sur le monde qui l'entoure et qui le conduit à construire un tableau, une scène qualifiés de paysage, celui du commanditaire, et du ou des spectateurs qui découvrent le paysage puis sont émus ou transformés par celui-ci. Le passage d'un regard à l'autre ou aux autres est guidé par divers procédés qui visent à le canaliser ou à le conditionner. Si la peinture de paysage apparaît en Europe comme un moyen de comprendre et de s'approprier le monde, en Chine, elle revient à épanouir son esprit.
Dans tous les cas, peindre ou composer un paysage implique de se confronter à la nécessité de faire des choix, de hiérarchiser les éléments naturels pour ensuite, soit les donner à voir dans leur infinie variété tout en constituant un monde ordonné, qui tende vers le rationnel en Europe, soit les agencer en un ensemble organique qui fonctionne par analogie comme un tout cosmique en Chine. -
L'artiste et l'objet ; la création dans les arts décoratifs (XVIIIe-XXe siècle)
Aziza Gril-Mariotte
- Presse Universitaire de Rennes
- Art & Société
- 8 Mars 2018
- 9782753566309
Cet ouvrage entend étudier les acteurs de la création dans les arts décoratifs en réunissant deux notions, l'artiste et l'objet, trop souvent considérées comme antinomiques. En effet, l'artiste incarne l'Art qui s'exprime dans une 1/2uvre unique tandis que l'objet renvoie à une forme produite en plusieurs exemplaires, souvent dotée d'une fonction utilitaire. Pourtant des artistes sont à l'1/2uvre pour imaginer de nouvelles formes ou transmettre des décors déjà connus. Depuis le XVIIIe et jusqu'au début du XXe siècle, les modalités de collaboration des artistes avec les manufactures et les entreprises connaissent de profondes mutations. De l'ouvrier spécialisé, au dessinateur salarié ou payé à la pièce, et à l'artiste indépendant, la figure de l'inventeur commence à apparaître, bien qu'encore incertaine et de définition malaisée. La notoriété des créations repose en grande partie sur le travail de ces artistes, même si chaque production a ses spécificités techniques et fait appel à des artistes selon des conditions qui varient dans le temps. Réunissant des chercheurs en histoire de l'art moderne et contemporain, l'ouvrage retrace des collaborations entre dessinateurs, artistes, manufacturiers, fabricants qui ont donné naissance à des objets variés - mobiliers, arts de la table, textiles, papiers peints, orfèvreries, bronzes d'ameublement, verreries, etc. - relevant tous d'un art du décor. Le collectif d'auteurs propose ainsi une nouvelle approche dans l'étude des arts décoratifs.
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Charles-Gustave Stoskopf, architecte ; les Trente Glorieuses et la réinvention des traditions
Gauthier Bolle
- Presse Universitaire de Rennes
- Art & Société
- 2 Mars 2017
- 9782753549883
Issu d'une thèse en histoire de l'art et de l'architecture, ce récit interroge le parcours de l'architecte alsacien Charles-Gustave Stoskopf (1907-2004), deuxième second grand prix de Rome en 1933, en se fondant principalement sur le dépouillement de ses fonds d'archives d'agences. Cet acteur de la scène professionnelle des Trente Glorieuses entame sa carrière en 1945 dans le cadre de la Reconstruction, où il a la charge de rebâtir des villages détruits autour de Colmar, puis devient, dans les années 1950, le maître d'oeuvre de plusieurs grands ensembles en Alsace et en région parisienne, dont le grand ensemble de l'Esplanade à Strasbourg et celui de Créteil. Afin d'éclairer cet itinéraire sont explorées tour à tour la biographie de l'architecte dans ses multiples aspects, les réalisations significatives et, enfin, des dimensions transversales caractérisant cette production considérable. Celle-ci révèle plusieurs registres d'expression, marqués par la permanence d'un vocabulaire académique et d'un héritage alsacien constamment revendiqué et réinventé. Elle agrège également des influences diverses lui permettant de répondre aux commandes inédites de cette période de modernisation et de forte croissance. L'ouvrage vient ainsi combler un vide historiographique en restituant la biographie de cette figure majeure de la période, à l'origine de la construction de plus de 45 000 logements en France dans des conditions de production inédites.
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Cité des regards ; autour de François Lissarague
Noemie Hosoi, Elise Lehoux, Vasiliki Zachari
- Presse Universitaire de Rennes
- Art & Société
- 7 Février 2019
- 9782753576094
Depuis près de trente ans, François Lissarrague, directeur d'études à l'EHESS, a développé une approche originale d'interprétation des images grecques, inspirée par l'anthropologie historique. La Cité des regards, production collective de ses élèves, entend montrer la richesse et la fécondité de cette démarche, en rendant hommage aux enseignements qu'il a dispensés au cours de ces années.
Les articles proposent des éclairages novateurs sur la céramique grecque antique, à travers l'analyse d'aspects aussi variés que la représentation des rituels, des personnages mythologiques, des animaux ou des objets. Les auteurs interrogent également les jeux de miroirs que les images entretiennent entre elles et les liens, parfois ténus, qu'elles établissent avec leur support. De l'intérêt pour les dessins ou les gravures réalisées pour étudier les vases grecs au XIXe siècle, aux logiques internes des images, du fragment aux détails iconographiques, les études rassemblées ici entendent donner de nouvelles clés d'interprétation sur les images antiques et, en regard, sur la société qui les a produites.
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Logiques de l'inventaire : Moyen Âge-XIXe siècle
Collectif
- Presse Universitaire de Rennes
- Art & Société
- 23 Mai 2024
- 9782753595439
Terres, meubles, reliques, livres, archives, bijoux et robes, plantes, etc. Comment, sur autant d'objets, penser l'inventaire comme cette technologie de la maîtrise du monde par l'écrit ? Comment saisir les contextes institutionnels et les circonstances (temps ordinaire du fonctionnement d'une administration ou contexte de crise politique) de la réalisation des inventaires ?
Dans une longue période allant du XIIIe siècle au XIXe siècle, et au sein de l'espace européen, l'ouvrage éclaire ainsi les objectifs de la production d'un inventaire, les opérations matérielles et intellectuelles sous-jacentes à sa mise en oeuvre. Il explore par là même les logiques qui organisent l'accès aux données.
Avec le soutien du Fonds national suisse pour la recherche scientifique. -
Images de soi dans l'univers domestique ; XIIIe-XVIe siècle
Gil Bartholeyns, Monique Bourin, Pierre-Olivier Dittmar
- Presse Universitaire de Rennes
- Art & Société
- 6 Septembre 2018
- 9782753574809
Quand et comment les images sont-elles entrées dans la maison ? Quel était leur rôle dans la vie de tous les jours ? Comment cette histoire rencontre-t-elle notre présent que l'on dit saturé d'images ? De la fin du Moyen Âge aux réseaux sociaux numériques, les images ont été profondément domestiquées. Présentes dans les palais et les églises, elles sont entrées progressivement dans les maisons des villes et des campagnes. La diversité de ces images est telle que notre perception de l'époque s'en trouve bouleversée. Certaines protègent les lieux, d'autres servent d'aide-mémoire ou de support à la prière, la plupart des décors sont des signes de prestige. La demeure devient une extension du soi individuel et collectif.
Alternant essais et études de cas abondamment illustrées, les auteurs proposent un premier jalon d'une histoire sociale et intime des images, en s'attachant aux décors et aux signes qui - présentés ici de l'extérieur vers l'intérieur - exprimaient la culture et l'identité des habitants mais aussi des familles et des réseaux de connaissance. L'histoire de la personne et l'histoire des images trouvent dans la maison un lieu de rencontre plein de surprises. Vue depuis notre XXIe siècle dit connecté, c'est incontestablement à la fin du Moyen Âge qu'a commencé notre cohabitation avec les images.
