Taschen

  • Paris

    Collectif

    • Taschen
    • 18 Août 2014

    -12 pages de calendrier.
    -12 illustrations.
    -Présenté dans une pochette.
    -Indique les jours féries du monde entier.

  • Dix en un : l'Impressionnisme en somme. Une édition spéciale des plus belles monographies d'art TASCHEN sur l'impressionnisme;
    Chaque livre de la Petite Collection Architecture de TASCHEN comprend :
    Une introduction à la vie et l'oeuvre de l'architecte ;
    Ses créations marquantes classées par ordre chronologique ;
    Des informations sur les clients, les conditions préalables à la construction, ainsi que les problèmes rencontrés et les solutions trouvées ;
    Une liste d'oeuvres choisies et une carte pour situer les bâtiments les plus intéressants et les plus célèbres ;
    Près de 120 illustrations (photographies, croquis, ébauches et plans) ;

  • Les dessous des chefs-d'oeuvre

    Collectif

    • Taschen
    • 23 Février 2016

    Cette importante contribution à notre compréhension des chefs-d'oeuvre de l'histoire de l'art passe à la loupe quelques-uns des plus célèbres tableaux du monde, pour nous aider à dévoiler leurs plus petits et plus subtils éléments et tout ce qu'ils révèlent d'une époque, d'une culture et d'un espace révolus.

    En guidant notre regard sur les menus détails du sujet et du symbolisme, Rose-Marie et Rainer Hagen nous proposent de découvrir d'un oeil nouveau même les toiles les plus connues à travers leurs complexités et intrigues. La mariée est-elle enceinte ? Pourquoi l'homme porte-t-il un béret ? Comment l'ombre de la guerre plane-t-elle sur une scène de danse ? D'un tableau à l'autre, nous voyageons de l'Égypte ancienne à l'Europe moderne, de la Renaissance aux Années folles. Nous partons à la rencontre de héros grecs et de poètes allemands sans le sou et passons de cathédrales en cabarets, du jardin d'Eden à un banc de jardin de la France rurale.

    En décortiquant chaque tableau pour mieux le reconstituer comme un puzzle géant, nous sommes fascinés par ces toiles célèbres, non seulement par leur prodigieuse richesse de détail, mais aussi parce qu'elles témoignent des modes et tendances, des personnages et de la politique, des amours et des moeurs de leur époque.

  • Rodin

    Collectif

    Présentation d'Auguste Rodin et de ses sculptures de bronze, de marbre et de glaise.

  • Avec son échelle au 1/200 000 soit 1cm = 2km et son relief image satellite, la carte LOCAL Toscana Michelin vous offre une vision précise de la topographie. Grâce aux indications touristiques (points de vue, parcours pittoresques...) elle vous permet d'explorer toutes les richesses et les curiosités locales en profondeur. Pour mieux vous repérer et vous déplacer : index des localités, tableau des distances et des temps de parcours et plans de ville. Cartes et atlas Michelin, trouvez bien plus que votre route!

  • Cet ouvrage présente tout l'oeuvre peint de Salvador Dalí. Après de nombreuses années de recherche, Robert Descharnes et Gilles Néret ont finalement réussi à localiser tous les tableaux de cet artiste si prolifique. Beaucoup de ces oeuvres étaient demeurées inaccessibles pendant des années, tant et si bien que près de la moitié des illustrations de ce livre n'avaient quasiment jamais été montrées auparavant.

  • Decorative art 1960s

    Collectif

    Pop ou hippie?
    Les styles dans le design des années 1960.
    Publié annuellement de 1906 à 1980, Decorative Art, The Studio Yearbook était consacré aux dernières tendances en architecture, agencement intérieur, mobilier, éclairage, objets en verre, textiles, objets en métal et céramique. Depuis que la publication s'est arrêtée; les rares catalogues sont devenus des objets prisés des collectionneurs.
    Decorative Art 1960s revient sur les prémices de la pop, au coeur d'une décennie de mutations sociales, sexuelles et politiques inédites. Toutes les énergies bouillonnantes à travers le monde dans les années 1960 ont engendré un nouveau design. La liberté était dans l'air, les hommes marchaient sur la Lune et plus aucune limite ne bridait la créativité.
    Le concept de «style de vie» s'est réellement imposé et, bien que les premières années de la décennie aient encore vu une rivalité entre l'artisanat et l'industrie, à la fin, l'iconographie ethnique et pop s'était imposée partout dans l'esthétique. La lumière était également incontournable dans le façonnage des intérieurs. La liberté de choix et l'expression personnelle étaient les mots clés pour les jeunes consommateurs, et des personnalités comme Pasmore, Panton, Safdie, Sottsass, Paolozzi et Lomazzi ont fait de leur mieux pour y répondre.

  • Decorative art 1950s

    Collectif

    Dans le décor de l'après-guerre.
    Design et style des années 1950.
    Publié annuellement de 1906 à 1980, Decorative Art, The Studio Yearbook était consacré aux dernières tendances en architecture, agencement intérieur, mobilier, éclairage, objets en verre, textiles, objets en métal et céramique. Depuis que la publication s'est arrêtée; les rares catalogues sont devenus des pièces de collection.
    Decorative Art 1950 de TASCHEN explore l'esprit d'optimisme et le consumérisme fervent de la décennie. La technologie et la construction avaient été développées pendant la guerre et ces découvertes pouvaient maintenant être exploitées en temps de paix. La popularisation des plastiques, de la fibre de verre, du latex ont formaté la décennie. L'augmentation des revenus et la reconstruction dans l'après-guerre, des deux côtés de l'Atlantique, ont mené à une explosion de la construction de logements dans les banlieues et dans les centres villes, et ces nouvelles maisons reflétaient un nouveau style de vie. Alors que le design européen était extrêmement inventif, le design américain était à la recherche d'une vision idéalisée du futur -et entre les deux, c'est un style moderne qui s'est développé, et qu'on observe de façon très nette dans ces pages.
    Cette vue d'ensemble de la décennie comprend les oeuvres de créateurs tels que Charles et Ray Eames, George Nelson, Hans Wegner et Gio Ponti.

  • Koons

    Collectif

    Les créations de Jeff Koons (né en 1955) sont à la fois immédiatement accessibles et très éloquentes du point de vue de l'histoire de l'art. De l'aquarium pour ballons de basket aux chiots-fleurs, son travail éminemment reconnaissable flirte avec un imaginaire trivial tout en intégrant les références culturelles du surréalisme et du Pop Art.

    L'oeuvre de Koons procure un certain plaisir visuel, mais se savoure aussi dans sa propension à susciter la polémique. L'artiste s'est autant fait connaître par ses sculptures de lapins en acier inoxydable que pour sa statue dérangeante de Michael Jackson et ses séries de photos érotiques de son ex-épouse, Cicciolina. Résultat : un statut de méga-artiste. Maître incontestable de la culture visuelle contemporaine, Koons est salué par les collectionneurs d'art et les institutions autant que par le public.

    À travers les créations majeures de Koons accompagnées de textes courts signés par Katy Siegel, Hans Werner Holzwarth et Eckhard Schneider, ce livre offre en un clin d'oeil un panorama de l'oeuvre complet de Koons et présente l'univers de ce géant de l'art mondial, depuis ses premières fleurs gonflables à ses réalisations les plus récentes.

  • Escher

    Collectif

    Des escaliers impossibles aux oiseaux en pavage, l'artiste néerlandais M.C. Escher (1898-1972) a élaboré un vocabulaire graphique où les maître-mots sont motif, casse-tête et mathématiques. Riches, complexes et structurées par des principes d'imbrication, ses créations sont également décoratives et ludiques, jouant constamment sur les illusions d'optique et les limites de notre perception sensorielle. Aux yeux des mathématiciens et des scientifiques, Escher est un génie. Aux yeux des hippies, il fait figure de pionnier de l'art psychédélique.

    Les premières oeuvres d'Escher, né à Leeuwarden, aux Pays-Bas, en 1898, portaient sur la nature et les paysages, et faisaient déjà l'objet de fréquentes expositions en Hollande et d'une certaine reconnaissance dans le monde. C'est pourtant lors d'un voyage au palais de l'Alhambra en Espagne, dans les années 1920, qu'Escher trouve sa voie. Réalisant un croquis des structures de l'architecture mauresque du palais, Escher reste fasciné par l'imbrication des formes entre elles et les unes par rapport aux autres.

    À travers ses réalisations, principalement des lithographies et des gravures sur bois, Escher n'a cessé d'explorer les relations entre les formes, les figures et l'espace avec un plaisir presque obsessionnel. Il s'est illustré en représentant des angles étranges, des perspectives multiples, en obtenant l'illusion parfaite du volume sur la surface plane du papier, en se penchant sur des casse-tête mathématiques complexes comme le ruban de Möbius, une boucle qui tourne sur elle-même et que l'on peut parcourir à l'infini, dans une torsion apparemment impossible selon les lois de la physique.

  • Peu d'artistes peuvent se prévaloir d'une renommée et d'une influence aussi durables au fil des siècles et des continents que Michelangelo Buonarroti (1475-1564). Son surnom il divino (le divin), en usage depuis les années 1530, a perduré jusqu'à aujourd'hui. Ses exploits de sculpteur, peintre et architecte restent plus que jamais uniques et inégalés. Ses créations comptent parmi les oeuvres d'art les plus connues au monde.

    Cette nouvelle édition de notre Bibliotheca Universalis rend hommage à l'oeuvre graphique de Michel-Ange, témoignant de sa maîtrise admirable du trait, de la forme et du détail, depuis ses structures architecturales jusqu'à ses anatomies parfaites. Le livre réunit bon nombre des dessins les plus beaux, conservés dans les musées et les collections particulières du monde entier, tout comme les notes et révisions de sa main, qui dévoilent, dans une proximité saisissante, l'ambition et l'envergure de la pratique de Michel-Ange, mais aussi les procédés par lesquels son art se manifeste. Un chapitre regroupe les dessins attribués ou réattribués à Michel-Ange et nous donne un nouvel aperçu de son oeuvre graphique dans toute sa diversité et de l'exploration infinie de son génie.

  • Utagawa Hiroshige (1797-1858) est un des derniers grands artistes de la tradition de l'ukiyo-e. Littéralement « images du monde flottant », l'ukiyo-e était un art particulier florissant entre le 17e et le 19e siècles, venu à incarner l'image que le monde occidental se faisait du Japon. Images d'hédonisme à bien des égards, les scènes ukiyo-e représentaient souvent les vives lumières et attractions d'Edo (aujourd'hui Tokyo) : belles femmes, acteurs et lutteurs, vie citadine et paysages spectaculaires.

    S'il a traité toute une variété de sujets, Hiroshige est surtout connu pour ses paysages et son dernier chef-d'oeuvre, la série des « Cent vues célèbres d'Edo » (1856-1858), qui dispense diverses scènes de la vie quotidienne au fil des saisons, des rues commerçantes trépidantes aux merveilleux vergers de cerisiers.

    Cette réédition a été réalisée grâce à une des plus belles séries complètes de gravures sur bois anciennes, propriété du Musée mémorial d'Ota à Tokyo. Chacune des 120 illustrations s'accompagne d'une description qui permet aux lecteurs de se plonger dans ces superbes vues débordant de vie, devenues des modèles de « japonisme », qui ont inspiré les artistes impressionnistes, post-impressionnistes et Art Nouveau, de Vincent van Gogh à James McNeill Whistler.

  • La Polaroid Corporation détient la plus grande collection de photographies instantanées au monde. Lancée par le fondateur de Polaroid, Edwin Land, et le photographe Ansel Adams, elle regroupe aujourd'hui près de 23.000 images de centaines de photographes du monde entier, dont des oeuvres réalisées par des artistes comme David Hockney, Andy Warhol ou Jeanloup Sieff.Véritable plongée dans les archives de la firme, The Polaroid Book rend hommage à ce support qui défie le temps, à l'ère du numérique. Telle une immense pellicule Polaroid, cette anthologie révèle les oeuvres de grands noms du genre et d'inconnus, célébrant les possibilités infinies contenues entre les marges blanches de la photographie instantanée.Inclut:plus de 250 oeuvres de la Collection PolaroidUn essai de Barbara Hitchcock, de Polaroid, sur les débuts de la photo instantanée et l'histoire de cette collectionun chapitre détaillant les différents appareils PolaroidÀ propos de la collectionBibliotheca Universalis: la compilation culturelle indispensable qui rend hommage à l'éclectisme de l'univers TASCHEN !

  • Une réédition soignée du saisissant livre de portraits signé Richard Avedon et James Baldwin, Nothing Personal, publié en 1964. Phénomène de la culture pop, cette publication controversée explore les contradictions au coeur de l'histoire américaine à travers des sujets variés, allant de Marilyn Monroe au parti nazi américain. Un livret de 72 pages réunit lettres, images contemporaines, documents d'époque et un essai du lauréat du prix Pulitzer, Hilton Als.

  • En équilibre précaire entre des années 1950 guindées et des années 1970 en roue libre, les années 1960 ont représenté une décennie de transition pour l'industrie du cinéma. Alors que fusionnent l'art, la consommation de masse et la culture pop, le cinéma est emporté dans une spirale d'énergie psychédélique. Ce guide pratique rassemble les meilleurs films de cette époque et raconte la fabrication et la réalisation de tours de force cinématographiques comme Le Guépard, Les Oiseaux, Belle de Jour, Pour une poignée de dollars ou Docteur Jivago.

    Le public est de plus en plus captivé par le petit écran et, après l'abolition du Code de «bonne conduite» auquel étaient jusqu'alors soumis les studios, les réalisateurs se saisissent de leur liberté nouvelle pour explorer les possibilités du cinéma en tant que forme artistique. Comme souvent, ce sont les Européens qui ouvrent la voie, en France avec la Nouvelle Vague de Godard et Truffaut, en Italie avec des films aussi novateurs que le 8 1/2 de Fellini et L'Éclipse d'Antonioni.

    Au milieu des années 1960, les États-Unis commencent à leur tour à débrider leur créativité, en particulier dans les films de jeunes réalisateurs underground comme Russ Meyer, John Frankenheimer ou Sam Peckinpah. Dans un autre registre, Mary Poppins et La Mélodie du bonheur viennent clore la glorieuse époque des comédies musicales en grande pompe, tandis qu'un autre genre, le western spaghetti, occupe le devant de la scène. Bond - James Bond - apparaît sur le grand écran et Kubrick redéfinit le film de science-fiction avec 2001 : L'Odyssée de l'espace.

    Même si le terme « féministe » n'a pas été employé à ce moment-là, les années 1960 ont aussi connu des avancées majeures dans la caractérisation des personnages féminins. De Jane Fonda dans Barbarella à la Holly Golightly de Diamants sur canapé, en passant par la Bonnie Parker de Bonnie et Clyde, c'est au cours de cette décennie que les femmes ont abandonné le statut de potiches pour embrasser des rôles complexes et des personnages forts au cinéma.

  • Le travail du couple d'artistes Christo (né en 1935) et Jeanne-Claude (1935-2009) résiste à la moindre catégorisation. À mi-chemin entre l'art, l'aménagement urbain, l'architecture et l'ingénierie, il relève avant tout d'une esthétique unique: des interventions surréalistes et féériques sur l'environnement qui ont magnifié indifféremment monuments, parcs publics et centres du pouvoir.

    Cet ouvrage compact parcourt l'intégralité de la carrière du couple d'artistes qui sont nés exactement le même jour, se sont rencontrés à Paris, sont tombés amoureux l'un de l'autre et ont formé un binôme créatif à nul autre pareil. Richement illustré, le livre évoque les premiers projets de Christo et Jeanne-Claude dans les années 1950 et s'achève par le projet The Floating Piers qui sera installé sur le lac Iseo en Italie, en 2016. Il rend hommage à toutes les plus célèbres interventions du couple sur l'environnement, telles que The Gates à Central Park, à New York, et Wrapped Reichstag (Le Reichstag empaqueté) à Berlin, tout en comprenant des documents inédits, inconnus du grand public, comme des dessins de jeunesse et des photos de famille.

  • Analyse des symboles et de l'imagerie symbolique.
    Le livre des images associe des articles originaux et pointus sur des symboles spécifiques à des illustrations représentatives en provenance de toute la planète et de toutes les époques.
    Ces textes passionnants, illustrés par près de 800 superbes images en couleurs, offrent ainsi une vision diverse et plurielle aux multiples niveaux d'interprétation. Chacun des 350 articles se penche sur le contexte particulier et les origines d'un symbole spécifique, analysant comment celui-ci représente les processus et les dynamiques psychiques qui le sous-tendent. Racines étymologiques, jeux sur les contraires, paradoxes et ombres, la manière dont différentes cultures ont abordé l'imagerie symbolique - tous ces facteurs sont pris en considération.
    Rédigés par des auteurs spécialistes de la psychologie, de la religion, de l'art, de la littérature et de la mythologie comparée, ces articles se répondent les uns aux autres d'une façon rappelant les méandres de la psyché. Les définitions offertes ici ne sont pas de celles qui enlèvent aux symboles leur magie et leur signification ; un symbole qui conserve son importance doit en effet demeurer en partie obscur pour pouvoir attirer notre attention et acquérir de nouvelles significations au fil du temps.
    Au lieu de ne se livrer qu'à une banale opération de classification, le Livre des images met en lumière comment passer de l'appréhension visuelle d'un symbole artistique, religieux, vivant ou rêvé à une expérience aux échos personnels et psychologiques.
    Le Livre des images établit une nouvelle référence dans l'exploration approfondie des symboles et de leurs significations, et intéressera un grand nombre de lecteurs variés : artistes, designers, rêveurs et interprètes des rêves, psychothérapeutes, curieux d'épanouissement personnel, joueurs, lecteurs de bandes dessinées, chercheurs en religion et en spiritualité, écrivains, étudiants, ainsi que tous ceux qui s'intéressent au pouvoir des images archétypales.

  • Des rayons cosmiques ont provoqué l'apparition de leurs super-pouvoirs et ils se sont unis pour former l'une des plus célèbres équipes de super-héros de tous les temps. Individuellement, Monsieur Fantastique, La Femme invisible, La Torche humaine et La Chose sont devenus des icônes; ensemble, ils sont invincibles: bienvenue dans notre guide complet sur le plus grand quatuor enfanté par les comics !

  • Selon la majorité des historiens d'art, l'aventure de l'art moderne a débuté à Paris il y a environ 150 ans. Un cercle de peintres, aujourd'hui connus sous le nom d'impressionnistes, se mit à travailler par touches rapides et libres. Ils privilégièrent les sujets de la vie quotidienne et urbaine, au lieu des pompeuses scènes héroïques, et échappèrent à la puissance des Salons en organisant leurs propres expositions indépendantes.

    Après cette première attaque contre une pratique académique dépassée, il n'était plus question de faire marche arrière. Constamment nourris par une aspiration à défier, innover et inspirer, les styles modernistes se succédèrent : symbolisme, expressionnisme, futurisme, dadaïsme, art abstrait, Nouveau Réalisme, Surréalisme, expressionnisme abstrait, Pop Art, art minimal et art conceptuel.
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    Cette incontournable synthèse retrace l'inépuisable énergie de l'art moderne en présentant, année après année, les oeuvres révolutionnaires qui ont déjoué les conventions et brisé les barrières. En introduction, des essais mettent en lumière les mouvements modernistes les plus significatifs et les plus influents. Ils sont complétés par des textes expliquant chaque oeuvre majeure et présentant son créateur.

  • Peintures de paysage

    Collectif

    Des prairies ondoyantes au ciel changeant, comment la beauté, la complexité et les dimensions du monde se traduisent-elles dans l'art? Explorez l'évolution et l'importance de la représentation des paysages en peinture, de la fin du Moyen Âge aux temps modernes à travers cette sélection de certaines des oeuvres les plus importantes du genre réalisées par des maîtres aussi divers que Titien, Caspar David Friedrich, Edvard Munch et Andy Warhol.

  • L'habit fait le moine. La façon dont une personne s'habille, que ce soit avec un sari, un kimono ou un tailleur, est une des clés essentielles de sa personnalité et de son appartenance culturelle, sociale et même religieuse. Fondé en 1978, le Kyoto Costume Institute (KCI) accorde toute son importance à cette approche sociétale, historique et artistique du vêtement. Le KCI détient une des collections de costumes les plus complètes au monde qui regroupe une large gamme de costumes historiques, de sous-vêtements, de chaussures et d'accessoires de mode, du XVIIIe siècle à nos jours.Fascinant voyage à travers la mode du XVIIIe au XXe siècle, Fashion History offre une déambulation dans la vaste collection de l'Institut. Avec ses remarquables photos qui présentent les costumes habilement mis en scène sur des mannequins réalisés sur mesure, le livre témoigne de ce que le «vêtement est une manifestation essentielle de notre être» et de la passion de l'Institut pour la mode, considérée comme forme d'art à la fois riche et complexe.Les auteurs comptent parmi les plus grands esprits et les observateurs les plus perspicaces des études sur la mode: Akiko Fukai (directrice et conservatrice émérite du Kyoto Costume Institute), Tamami Suoh (conservatrice du Kyoto Costume Institute), Miki Iwagami (conférencière en histoire de la mode à la Bunka Gakuen University, Tokyo), Reiko Koga (ancien professeur d'histoire de la mode à la Bunka Gakuen University) et Rie Nii (conservatrice du Kyoto Costume Institute).

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